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Contos das Estrelas

Neste blog são apresentados conteúdos literários. Para qualquer assunto podem contactar o autor via ruiprcar@gmail.com. Aceitam-se contributos de outros autores, de 4 a 24 de cada mês, relativos ao tema Natureza ou Universo. :)

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Texto de quase crítica literária ou de cinema sobre o filme “Pedro e Inês” (2018)

por talesforlove, em 31.01.19

 

O filme “Pedro e Inês” (2018) do realizador António Ferreira e Tathiani Sacilotto é baseado no livro “A trança de Inês” de Rosa Lobato Faria (2001). É possível dizer que provavelmente este é um exemplo de uma nova forma de olhar para a história do nosso país, vendo-a de uma forma e, de certa forma, provocando-a, porque, além de se olhar para a evolução material e cultural temos ainda a história de Dom Pedro e Inês de Castro, que é um pretexto para nos questionarmos como seria esta narrativa nos nossos dias ou mesmo no futuro. Sabemos que Dom Pedro desafiou os limites sociais e familiares do seu tempo e foi-lhe atribuído o cognome de O Justiceiro e surge a pergunta sobre qual seria o seu comportamento e o das outras personagens principais, Dona Constança e Dona Inês, nos nossos dias, por exemplo. E enquanto leitores do livro e espectadores do filme, podemos ainda perguntar quais as razões que levaram a autora a acreditar que esta narrativa seria possível e realista.

Gostei de ver este filme, na sua configuração surpreendente, leva-nos a um passado que me parece bem retratado, leva-nos a um presente imaginado, aparentemente muito lisboeta, e a um futuro intrigante e ecológico, simultaneamente como um regresso aos primórdios, um fechar de círculo. Brincando com o que vemos, podemos dizer que estamos perante uma máquina do tempo consciente em que a história contada e o cinema não coincidem por completo, ao contrário do que aconteceu com as primeiras projeções de Auguste e Louis Lumiére, por exemplo, L’árrivée d’un train engare de La Crotat (Lopes, J.; Maio 2018; p. 19). Ao ver o filme podemos ficar confusos, e parece ser esse o objetivo do realizador, pois não sabemos bem se o Pedro de hoje está louco ou apenas mais recolhido a um estado superior de consciência do que é a sua vida. Senti que o filme é suficientemente complexo para o olhar sob três perspetivas: a do retrato do passado (histórico); a do presente “imaginário”; e a relativa a um “futurível”. Trata-se de algo a fazer lembrar os trabalhos de Paul Gaugin, nomeadamente as suas películas sobre o Tahiti e a designação a eles atribuída “De onde vimos/quem somos/para onde vamos” (Lopes, J.; Maio 2018; p. 23).

 

PASSADO

Parece ser essencial uma breve introdução histórica com contexto cronológico, para que nos seja possível compreender que a abordagem apresentada nesta película é muito balizada pela história real vivida pelos protagonistas ou personagens principais. Apresento de seguida uma breve sequência cronológica de eventos conhecidos ou que se julgam ser reais. A esta segue-se uma muito breve explicação social.

 

Coimbra a 8 de abril de 1320: nasce Dom Pedro I, filho de Dom Afonso IV e Beatriz de Castela;

1334: casa com Infanta Dona Constança, nascida em data incerta e falecida em 1345 (filha de D. João Manuel, infante de Castela);

Cerca de 1325: nasce Dona Inês de Castro, que viria a falecer em Coimbra, na Quinta das Lágrimas (Quinta das Lágrimas; 2019), em 1354, sendo mais tarde coroada Rainha por Dom Pedro I e sepultada, ao seu lado, em Alcobaça em 1361 (filha de D. Pedro Fernandes de Castro a de D. Aldonça Soares de Valadares, de Castela);

Dom Pedro I é neto de Dom Dinis, o Rei Poeta, e entre os seus filhos encontramos Dom João, Mestre de Avis, fundador da segunda dinastia, cuja mãe é Teresa Lourenço, nascida a 14 de Agosto de 1356 (Portal da História; 2019).

 

Os fios condutores desta sequência de eventos, são: i) o sentimento de infortúnio por parte de Dona Constança, em contraste com o amor entre Dom Pedro e Dona Inês; e o ii) o desconforto feroz de Dom Afonso IV, pai de Dom Pedro, que considera o comportamento do filho inaceitável por ser inoportuno, também porque contrário à sua vontade, e sobretudo por ser algo com possíveis consequências para a Coroa, podendo provocar um conflito com Castela.

 

PRESENTE

 

Este presente sugere-nos um Pedro que se casa com Constança porque as circunstâncias da vida o levam a isso, ou seja, com a naturalidade de quem namora com alguém e a leveza do habitual o conduz a esse “desfecho”, ou seja, não sendo obrigado, como no passado, também não se questiona nem vê alternativa. Inês surge no local de trabalho e Pedro sucumbe ao impulso amoroso imediatamente. Tal como no passado a história não nos compromete com um julgamento com culpados e inocentes, sendo todavia mais discreta a fronteira pois aqui não existe uma obrigação de matrimónio.

Também aqui Constança tem uma via de ação diferente, sentindo-se injustiçada, ela não morre e não se mantém em silêncio, pelo contrário, vinga-se, de uma forma que não quero aqui descrever para não contar todo o enredo. A sua ação pode-nos levar a questionar a sociedade em que vivemos ou a forma como a escritora olhava para a sociedade a que pertence. Assim, a violência extrema continua a existir mas não já praticada por Pedro, mantendo-se todavia a tragédia desta história de amor. Talvez tenha sido este sentir que a escritora queria que permanecesse, independentemente da história ser considerada verosímil nos nossos dias ou entendível. Algo é certo: a violência continua nas vidas dos protagonistas pese embora a suposta evolução de centenas de anos da sua sociedade. Não poderia ser diferente?

O filme retrata esta sequência de eventos de uma forma sensível, primeiro mostrando um certo estilo de vida lisboeta e depois tentado revelar uma Constança que deveria sair de si, enlouquecer, ao ponto de agir de forma tão descontrolada. Parece-me que não é suficiente este retrato no filme, e provavelmente também no livro, para aceitar este desfecho, possível mas incómodo.

 

FUTURO

 

Intercalado com o passado e o presente vai-nos surgindo igualmente o futuro, como se os três elementos do tempo fossem comparados a par e passo, revelando possibilidades distintas das mesmas vidas, sem um propósito que não se consegue perceber. Para contextos diferentes parece existir a preocupação de manter uma carga dramática igual, justificando a descrição de “amor intemporal” este vivido entre Pedro e Inês e, evidentemente, Constança. Não importa nada se as ações das personagens são legítimas aos nossos olhos de hoje e parece existir uma grande preocupação do realizador para acentuar esta constância na expressão de cada cena em momentos chave que parecem comuns a tempos distintos.

O nome Constança, tal como numa peça de teatro clássica, parece remeter para uma atitude constante em termos emocionais, resistente, mas essa postura não se verifica nem no presente nem no futuro, embora com consequências díspares. A Constança do futuro surge enquadrada numa comunidade ecológica. Esta comunidade comporta-se como uma máquina com engrenagem em que quando surge um elemento ou possibilidade de desarmonia, leva ao distúrbio e consequentemente ao resultado trágico. Como no passado, nota-se uma certa rigidez de contexto social, e a dureza das expressões deste pai Afonso, denotam isso mesmo: uma força externa aos protagonistas amorosos. O filme capta esta força sendo que no presente me parece menos real, menos presente.

 

 

 

 

 

Para finalizar: um breve olhar global...

À medida que vamos vendo o filme ficamos estupefactos por sermos surpreendidos pela história, pois, afinal, deveríamos conhecer tudo, dado que o filme tem uma forte componente histórica. Esta surpresa é muito gradual, tal como a possibilidade de uma tragédia porque vamos muito suavemente sendo “abraçados” pelos acontecimentos, sem existir nada que nos abale emocionalmente, num primeiro olhar. A música contemporânea e com um toque de mistério só sublinha esta sensação inesperada.

Em dado momento, tudo parece modificar-se e mesmo a leveza dos cenários parece ganhar um novo peso. Sente-se um pressentimento mau, acompanhado de um travo metálico na boca, como que anunciar uma tragédia eminente e quando de facto algo acontece, algumas pessoas podem mesmo ser forçadas a voltar a face no decurso de algumas cenas, tal é a sua força.

Na minha opinião, o trabalho dos realizadores é sublime. 

Quem vê este filme vê mais que um filme de entretenimento, vê quase um documentário histórico, vê algumas cenas rodadas na Quinta das Lágrimas, em Coimbra, vê uma tragédia romântica que leva a pensar sobre a sociedade e sobre nós próprios, na forma como nos deixamos, ou não, ser influenciados pelo que nos rodeia.

Um belo filme intimista sobre Portugal.

 

Agradecimentos:

O texto foi lido pelo profissional de imagem David. C. que amavelmente cedeu a sua opinião.

 

Bibliografia:

 

Lopes, J. (2018), “Cinema e história”, Fundação Francisco Manuel dos Santos, pp. 88

Website: Quinta das Lágrimas (2019); http://www.centerofportugal.com/pt/quinta-das-lagrimas/

Website: Portal da História (2019); http://www.arqnet.pt/portal/portugal/temashistoria/pedro1.html

 

Trailer oficial:

 

 

Para terminar, um belo vídeo Italiano (Estúdios APSHOR)para uma impressionante canção Portuguesa, por Dulce Pontes.

Quantas vezes somos mais valorizados no estrangeiro do que no nosso país.

 

Dulce Pontes - Canção do Mar

É possível gostar aqui: https://www.youtube.com/watch?v=YzCaGytvgzQ

Amanhã contamos divulgar os resultados intercalares do Concurso Literário Internacional "Natureza 2018-2019". É a listagem dos trabalhos escolhidos para a Antologia, entre os quais serão escolhidos os vencedores. Todavia, mesmo entre os autores não escolhidos pode surgir um contacto, no futuro próximo, com o objetivo de propor a sua publicação no blog.

 

Até breve.

 

 

 

Para breve um texto sobre o filme "Pedro e Inês"

por talesforlove, em 07.11.18

 

Tentativa de Crítica sobre o filme “O que de verdade importa” (27 e 28 de Outubro 2018)

por talesforlove, em 28.10.18

O filme “O que de verdade importa”, realizado por Paco Arango, tem como personagem central Alec (Oliver Jackson-Cohen) o qual possui um negócio de reparação de equipamentos elétricos e leva uma vida desregrada. Além de jogar a dinheiro continuamente, pese embora perca quase sempre, dorme com todas as mulheres que pode, não obstante tal realidade não preencher o vazio que sente no seu coração. Evidentemente, o seu negócio, com a marca “O Curandeiro”, ressente-se e está à beira da falência; facto evidente quando o seu único empregado recebe a visita do senhorio que o ameaça de despejo. É neste contexto que surge o seu tio, oferecendo-lhe a “salvação”: paga-lhe todas as dívidas se ele se deslocar de Inglaterra, onde vive, para Nova Escócia (Canadá).

Não, o objetivo desta tentativa de crítica cinematográfica não é contar toda a história do filme, por este motivo, paro por aqui esta descrição, a qual considero ser já suficiente para enquadrar o leitor neste universo muito particular.

A primeira imagem que me vem à cabeça quando me recordo deste filme, é a luz refletida nas águas de um lago, uma cena que nos transporta para um mundo de paz, serenidade, no qual, tal como na publicidade desta película, tudo é 100 % positivo. Tanto mais que a câmara se vai gradualmente afastando dessa luz cintilante, como um conjunto de pontos nas pequenas ondulações, a fazer lembrar as estrelas no azul celeste, das quais nos afastamos, ao encontro do verde das encostas montanhosas. Numa mesma panorâmica, o verde esperança e a oportunidade cósmica com o calor atómico feito escuro. Aquele dia de sol empresta-nos a calma que merecemos. Aliás, durante os 120 minutos durante os quais esta história se desenrola somos confrontados com estes pontos de vista, contrapondo alguma tensão emergente em dado momento, com a sensibilidade pictórica que nos abraça; torna mais leve o drama que por vezes parece dominar.

Alec, talvez o herói deste filme, é confrontado consigo próprio e são os outros e não ele próprio que o levam a aceitar-se tal qual é: não apenas um “curandeiro” da eletricidade mas também, e principalmente, um curandeiro da saúde de quem o rodeia, ou mais ainda, alguém capaz de reparar a vida dos outros, que afinal já o esperavam antes mesmo de ele chegar… Ele nunca aceitaria tal tarefa, a qual considera estar muito além de tudo o que considera razoável ser possível, ficando pois em plena crise de identidade quando em choque frontal com essa realidade. Tal como Alec, que se perdeu devido à morte do seu irmão, todos podemos reparar as nossas vidas quando também temos as mãos certas estendidas na nossa direção.

Em determinados momentos da vida, somos todos confrontados com estas duas visões sobre a nossa identidade: o nosso ponto de vista sobre nós próprios e o ponto de vista dos outros, quando nos veem, ou julgam ver… e como é de positividade que aqui se fala, quero dizer que queremos sempre em nós negar alguma capacidade que efetivamente temos. Não a conseguimos reconhecer. Por exemplo, apenas uma mínima parcela das pessoas que vão ler este texto é médico(a) mas todos podemos ajudar na luta contra o cancro, com um pequeno donativo para o IPO (Instituto Português de Oncologia), bastando assistir a este filme no cinema, uma ou mais vezes, em Portugal.

No final da película o propósito MAIOR desta história é revelado a todos: apelar à solidariedade. Não admira que o “tema cancro” surja nesta história, encarnado na personagem Abigail (Kaitlyn Bernard), a par e passo com o sofrimento das outras pessoas que julgam nada poder fazer para lutar contra a doença. Afinal, neste contexto, como noutros, todos nós podemos fazer algo de positivo, por pequeno que possa parecer o nosso contributo. É de facto uma excelente iniciativa, uma bela oportunidade para fazermos algo de bom.

100 % solidário é também o comovente sucesso, visível em cada sala de cinema que se apresenta sempre composta. Os cenários, a trama, as interpretações, na minha modesta opinião, são muito boas, sem que seja óbvia alguma pretensão de obter um OSCAR. Parece-me que, para esta equipa de realização, o maior prémio é ser ela própria o agente de cura nas vidas de muitos de nós. E consegue, pois que com a simplicidade despretensiosa com que o drama se interliga com a comédia, somos levados a refletir e a concordar com o que Margarida Rebelo Pinto defende: “é na arte da simplificação que reside 80 % da felicidade”. Quando acaba este filme sentimo-nos felizes.

 

 

"O Que de Verdade Importa" - Filme solidário com o IPO

por talesforlove, em 17.09.18

Vale a pena ver este filme...

 

 Um filme solidário. Pela causa do cancro, em Portugal.

Um filme a ver: Indice Médio de Felicidade (Portugal Agosto 2017)

por talesforlove, em 11.09.17

Podem ver o trailer aqui:

 

Na minha opinião, este filme aborda de forma agradável o tema delicado da crise financeira global que tem afetado Portugal nos anos recentes. É bom verificar como os amigos e família podem ajudar os protagonistas desta história a centrarem a sua via no essencial e a (re)construírem a sua vivência com base em sentimentos que podemos identificar como "de felicidade".
Sim, é um filme bonito que ajuda a encontrar horizontes renovados para o presente (e para o futuro). A imagem "final" do trailer, uma longa ponte, ajuda-nos neste sentido... Que bom!

 

Boas leituras.

Save

Breve crítica visual ao filme “Rei Artur: A Lenda da Espada” (2017)

por talesforlove, em 03.08.17

O filme “Rei Artur: A Lenda da Espada” é um filme dirigido por Guy Ritchie, e escrito o guião por Joby Harold, Guy Ritchie e Lionel Wigram, o qual estreou em Maio de 2017.
A lenda da espada está associada, desde a Idade Média, à legitimidade de ocupação do trono na Grã-Bretanha, e deu origem a vários trabalhos literários por exemplo, a trilogia em verso escrita pelo poeta Francês Robert de Boron's Merlin, cerca de 1200 (Timeless Myths; 2017).
Em termos visuais a informação relativa ao tempo da ação é essencial para estabelecer uma relação de “confiança” entre o filme e o espetador, pois este último, atualmente, está bem informado sobre o que corresponde, à Idade Média Europeia, tanto em termos civilizacionais, bem como no que diz respeito a um certo imaginário que conota esta época com uma determinada “Idade das Trevas”. Algo que, em boa verdade, não é totalmente certo, sendo que para este contexto interessa apenas a 1ª impressão mais vulgarmente aceite.
As imagens do filme permitem-nos ser transportados para um tempo diferente do nosso, sendo nós levados, confiantes, pois o retrato corresponde ao que já havíamos preconcebido. Os efeitos visuais, adicionados ao trabalho dos atores, no mesmo plano, conferem um grau extra de impacto ao drama que nos envolve, passo a passo, suavemente, como se nos puxasse para dentro da tela.
Eventualmente, por vezes, os efeitos especiais podem ser usados em demasia em certas zonas de conjunto, a tal ponto que por vezes podemos ficar confundidos com a imagem de um qualquer jogo de computador. Esta situação, não sendo algo necessariamente mau, pode contribuir para que alguns espetadores não se sintam tão atraídos. Adicionalmente, o desempenho dos atores principais parece ser excelente, na minha modesta opinião, sendo que talvez um pouco mais de tratamento da cor da pele dos atores, poderia acentuar o “ar” grave e de extremo contacto com a natureza rude que a ação parece exigir.
O filme é excelente, muito interessante e envolve-nos; sendo que vale a pena ser visto, tanto pelo imaginário Europeu como pelo realismo dramático de várias sequências.

Leva-nos a crer que tem uma certa aura, no sentido de Walter Benjamin.

 

Biografia:

Timeless Myths (2017), https://www.timelessmyths.com/arthurian/excalibur.html.

Para breve - tentativa de crítica ao filme "A lenda da Espada" - Trailer

por talesforlove, em 24.07.17

 

 

https://www.youtube.com/watch?v=VCFkCZZDutA

 

Texto sobre “Uma pastelaria em Tóquio” (2016)

por talesforlove, em 31.05.17

Cheio de poesia, “Uma pastelaria em Tóquio”, um filme dirigido por NAOMI KAWASE, é uma película que nos aprisiona na tela. Praticamente, esquecemos tudo ao nosso redor, até ao ponto em que quase nos recusamos a ser confrontados com o fim desta maravilhosa peça de arte.
Numa primeira aproximação, a história parece ser trivial: num belo dia da primavera, Tokue, uma senhora de 76 anos aproxima-se de Sentaro, o cozinheiro de uma pequena pastelaria. Sentaro vende principalmente dorayaki, um pequeno bolo cheio de geleia de feijão vermelho (azuki) e Tokue explica-lhe que ela sempre quis fazê-los para o público, ela implora pela oportunidade da sua vida, para realizar um sonho. Ele diz-lhe que "não", mas ela deixa uma pequena amostra ... e ele, por fim, aceita.
Adicionalmente, existe uma adolescente chamada Wakana, uma pessoa muito perspicaz, cliente habitual, que, em última instância, também se aplica ao trabalho na loja. Juntos, são uma família, Tokue, como a mãe de Sentaro e Wakana, um membro "místico" que parece agregar todos os sentimentos desses personagens.
Há medidad que a história se desenrola, não podemos imaginar um possível final, mas Tokue dá-nos pistas muito subtis, por exemplo, quando ela fala com todo o mundo natural, algo que pode ser estranho para nós, porque isso significa atribuir à natureza uma importância incomum no contexto  de uma cidade ... Há um sentimento de diferença, como sendo uma personagem isolada dentro das paredes cinza dos edifícios de betão ao ar livre. Os olhos de Tokue emanam compaixão e resignação de forma misteriosa.
Só somos capazes de compreender estes sentimentos quando o proprietário do restaurante sabe que Tokue é um paciente que vive num leprosário ... e exige que Sentaro a despeça, algo que ele recusa, mas é forçado a aceitar, por fim.
Quando Sentaro e Wakana visitam Tokue, pela primeira vez, em sua casa, no leprosário, a perspicaz Wakana diz-lhe que devem estar preparados para a possibilidade de encontrar pessoas com caras deformadas e, quando as encontram, verificam que estão falando em grupo, sorridentes, felizes, apesar da sua realidade: eles também são uma família. Esse é o poder de ser aceite como somos ... apesar das nossas diferenças, das nossas diferentes maneiras de ver o universo e as diferentes maneiras como somos vistos por ele ...
Além de tudo isto, não há vingança contra a natureza: a natureza da doença. Pelo contrário, Tokue aceita tudo sem hesitar... especialmente sem palavras, simplesmente com a maneira como ela olha para as flores de cerejeira. Ela se vê como uma parte do mundo natural e talvez o facto de a actriz lidar com um cancro na vida real a ajude com essa tarefa ...
No final, lembramos o momento em que ela explica que teve de libertar o canário que Wakana lhe... afinal, ele lhe pediu que o fizesse ... e isso, combinado com o facto de confessar isso mesmo, depois de falecer, com o recurso de uma gravação em cassete, nos deixa um sentimento final: existe uma prova intemporal de que a nossa mente tem uma profunda necessidade de libertar o paciente da memória de estar doente, para que lhe seja possível ser feliz durante todos os momentos da vida. Esse é certamente o segredo para o doce de azuki feito por Tokue.
Este filme explica-nos, detalhadamente: a capacidade que as pequenas coisas têm para mudar as nossas vidas; a importância das pessoas simples e ainda o poder do acaso, que transforma pequenos momentos nas nossas vidas, em algo tão vasto quanto a galáxia. No entanto, apesar da qualidade do guião, a abordagem fotográfica ajuda, adicionalmente, o Diretor com esta tarefa terapêutica, especialmente com perspetivas inesperadas, as bolhas aleatórias dos feijões derretidos a ferver em calda, e, talvez, com o casaco de Tokue, com cores parecidas com as das flores da cereja, transformando-a a ela e às cerejeiras em algo semelhante a um único ser, como que pintado subtilmente.

Em resumo, este é um filme sobre as pessoas mais importantes: as pessoas simples.

Fica o trailer oficial:

 

A poesia capta sentimentos...

por talesforlove, em 20.06.16

a poesia capta sentimentos, com palavras e letras...

e quem sabre, cria alguns em determinado momento... como quando vemos um filme ou uma fotografia antiga.

 

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